http://sidecore.net/

In 2012“SIDECORE”project was founded and initiated by young artist volunteers. The central concept behind the project is “the extension of the self within the city”, in which the “city” signifies both urban space and public virtual space on the internet.

  

TOKYO WALKMAN

exhibition view

Taku Obata “OBJECT outside train”  TENGAone 

Mark Drew “STREET KNOWLEDGE (N.W.A)”

Mark Drew

Tohru Matsushita “electrical drawing”

EVERYDAY HOLIDAY SQUAD “unknown”

EVERYDAY HOLIDAY SQUAD “unknown”

yang02 “Absent Browsing”

 

1979年、SONY社からWALKMAN®という和製英語のプロダクトが発売され、全世界的なヒットとなった。WALKMAN®のヒットは街に音楽を流すという発想から、人に音楽を流すという転換にあった。つまり一つの同じ公共空間に居ながら人々は別々の音楽を聴くことが可能になり、それぞれの”視点”において公共空間に異なる見方/感じ方をすることが促されたということである。

本企画では、そのようなポータブル・メディアによる都市空間における表現の拡張をテーマとしている。都市空間において、特に東京という都市においては個人が公共空間に介入していくことは極端に難しく、いとも簡単に警戒・排除の対象にされてしまう。公園から遊具が消え、ドローンは早速議論の的となり、ネット上の発言は監視され、自転車での移動までも厳しく見張られている。しかし規制や自主規制が強化される今だからこそ、公共空間に新しい自由をもたらす、ポータブル・メディアの発想と新たな視点の提案が求められている。

 

In 1979, SONY released the portable music playing device known as the WALKMAN®. The English word was completely understood by Japanese, and soon became a worldwide hit. The major success of the WALKMAN® was it injected personal music choice into city life. We could share the same physical space like always, but the WALKMAN user completely controlled their own private soundtrack, creating an infinite number of different experiences of the same space. In other words, it enhanced the users direct point of view, enabling a completely individual experience.
The center theme behind this exhibition is the expansion of individual expressions in urban environments, with the use of these portable medias. Currently it is much more difficult for individuals to interact or express themselves in public, especially in Tokyo. The WALKMAN way allowed people to opt out from avowed rules. Playground equipment have disappeared from parks, and remote controlled surveillance drones have become a discussion point. Internet comments are monitored, recorded and backed-up, and even bicycles that run through places which should be considered public land are confiscated by new city regulations.External regulation and self-regulation have both intensified. Now more than ever new perspectives are needed to bring freedom back to public spaces.

※「WALKMAN」はソニー株式会社の登録商標です。
* “WALKMAN” is a registered trademark of Sony Corporation




参加アーティスト:


EVERYDAY HOLIDAY SQUAD

everydayhoridaysquad

(c)EVERYDAY HOLIDAY SQUAD, 2015

EVERYDAY HOLIDAY SQUADはグラフィティライターやオルタナティブスペースのアートディレクター、そして映像作家によって構成されるストリートアートユニットです。個人としても集団としても、彼らは東京という都市の中で「自分たちの居場所を新しく作る」ことをテーマに様々な試みをしています。近年では監視・規制されている都市のストリートから屋上や地下という場所へ表現の場所開拓に挑んでいます。今回は彼らが見つけだした東京の下水道内部で壁画制作をおこなった一連の記録を発表します。彼らの試みは冒険や悪戯という単純な動機に根ざしたものであることは間違いがありませんが、同時に都市の内部と言う普段と閉ざされた部分を暴きだすことによって、日常とパラレルに存在する別の世界を立ち上がらせます。 いつもの道を歩くとき、実は地下に彼らの美術館が広がっているのかもしれない。そういう想像力を彼らは掻き立ててくれるのです。

 

EVERYDAY HOLIDAY SQUAD is a street art unit, consisting of a graffiti writer, an alternative space art director and a filmmaker. As individuals, and as a group, they have implemented various endeavors under the theme of “creating new places where we belong”, in this case being the city of Tokyo. Lately, the places cultivated for this expression are the city’s monitored and restricted areas, from street to rooftop to underground. This present exhibition is a series of documentaries following the creation of murals in a section of the Tokyo underground drainage system. While it is undeniable that the motivation for much of their project is simply mischief and adventure, by exposing inner parts of the city that are normally closed, they have also launched another world, one existing parallel to the known. You may be walking down a familiar street, but down below their museum spreads through a network of unlit and rarely seen tunnels, inspiring a sense of wonder to those still on the surface.


小畑多丘

takuobata

(c)Taku Obata, 2015

小畑多丘はB-BOY(ブレイクダンサー)であり彫刻家でもあります。彼は自身のルーツであるブレイクダンスの身体や衣装の動きの構造を経験的に検証し、空間に複雑な影響を与える彫刻を制作しています。また彼は、日本のブレイクダンスを軸としたヒップホップシーンでとても重要な役目を担っており、その思想をいかにアートという表現に昇華させることができるかを試みています。  今回彼は写真作品を展示します。これは彼が実際に木彫した幾何学形態の「物体」を公共空間で放り投げ、物体が放物線の頂点に達した瞬間を写真に収めるという作品です。単に放り投げられた物体を写真で切取ることで、空間を取り払い、現実世界を不思議な平面として際立たせます。これは、ブレイクダンスがいかに重力を感じさせない身体の動きのみによって空間を変容させるか、という1つの試みにも基づいています。彫刻も決められた場所だけではなく、公共空間を移動しながら空間や風景を変容させることができるのではないかという実践なのです。彼の緻密な計算によって作られる幾何学形態の物体は、重力や距離を感じさせず軽快に浮かび上がり、日常の風景すらも彫刻の一部分として見せてくれます。

 

Taku Obata is a B-Boy (breakdancer) and sculptor. He explores his breakdancing roots to empirically verify the movement of the body and its clothing as it moves, and creates sculpture that produces intricate effects in space. Playing a very important role in the Japanese hip-hop scene centered around breakdancing, he also confronts his own ability to sublimate its philosophy into art. This time he exhibits his new series of photographs. In these pictures Obata captures the moment when a geometric “object,” which he has carved from wood, is thrown into a public space and has reached the vertex of it parabola. Simply by photographing an object thrown into the air, space is cleared away and the actual world is emphasized as a mysterious plain surface. This concept is also based on his experiments in how breakdancing can transform space through seemingly gravity-free, physical movement alone. In the same manner, he is also exploring whether sculpture can transform not only a designated area, but also the space and landscape, while moving through a public space. A geometric object that was created according to his meticulous calculations, will lightly float in the air, with no sense of gravity or distance, incorporating the ordinary landscape as if it is a part of the sculpture.


菊地良太

ryotakikuchi

(c)Ryota Kikuchi, 2015

フリークライマーでもある菊地良太は、街の構造物に登ったり、ぶら下がったり、挟まったりと様々な方法で身体を街に介入させ、それを写真作品や映像作品として残します。フリークライマー達は一つの岩から細かい起伏や割れ目などその形状を読み取り、何もないように見える岩肌にルートを見出してクライミングします。このルート設定を彼らの言語で「ラインを読む」と言いますが、菊地はまさに都市の構造の中に「ラインを探している」のです。つまり彼の写真や映像の作品はこれらのラインが浮かび上がる地図でもあり、菊地が思い描く風景の写真でもあるのです。今回はギャラリー内部や周辺の環境の中でラインを探し、彼の身体的な介入を地図として展示します。日常に見ている街の風景を新しく捉え直す視点と、都市生活の中で矯正されてしまった身体の可能性を、彼の作品は揉みほぐしてくれるのです。

 

Ryota Kikuchi, an artist and free climber, intervenes the city with his body, climbing, hanging and dangling between the city’s structures, while capturing the action on photograph or video. Free climbers find the route to climb on a rock’s seemingly unyielding surface, by reading the shape and form of a rock, its subtle undulations and crevices. This is referred to in rock-climbing terms as “reading a line” which is exactly what Kikuchi is doing with the structures of the city. In other words, his imagery serves as maps to highlight these lines, as well as selections of scenery that he, himself, has conceptualized. In this exhibition, he finds those lines and physically maps them out within the gallery and its surrounding environment. His work releases new perspectives that re-examine and renew the ordinary landscape of the city and the possibilities of your body that have been readjusted to conform to an urban lifestyle.


TENGAone

(c)TENGAone, 2013

TENGAoneは東京を代表するグラフィティライターの一人です。 彼は現代社会の中での人間の思考・行動など内面的な姿に目を向け、その矛盾や現代社会の成れの果てに静かに怒りを持ちながらもコミカルで怪しい生き物(キャラクター)として人々の姿を描きます。 彼はグラフィティの本質の一つを”街中の視線を誘導していくこと”と考え、絵の描かれるロケーションや、絵を見る人の立ち位置から視点の流れまでを考慮し、鑑賞者をどのようにキャラクター達の物語に引き込むことができるかということを試みます。 今回彼はギャラリーのスタッフが働くレセプション空間にそのようなキャラクター達の物語を仕掛けます。彼の描き出すキャラクターと物語は、社会における時事ネタや映画のワンシーンを想わせながら、同時に都市で活動する私たちの持つ狂気や矛盾や弱さ、そして愛らしさを感じさせる生きるポートレートとなるのです。

 

TENGAone is one of Tokyo’s representative graffiti writers. Focusing on the inner aspects of human thought and behavior in modern society, while quietly angered by the contradictions they evoke, focusing as well on society’s possible terminus, he depicts people as strange and comical creatures. He thinks that one of the essences of graffiti is “to guide the eyes of people on the street.” Considering the graffiti’s location, and the viewer’s standpoint, as well as how a viewpoint changes, his challenge is how to draw the attention of the viewer to the story made by his characters. His story here concerns characters working at the gallery’s reception space. His characters and stories remind us of social concerns, current events, or a scene from a movie, while, at the same time, they are living portraits that convey the madness, conflict, weakness, and sweetness that go hand in hand with life in the city.


松下徹

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(c)Tohru Matsushita, 2014
松下徹はこのサイドコアのディレクターチームの一員でもあり、そして彼自身もアーティストとして参加しています。彼は科学塗装の技術、主にスプレーの吹きつけに関わる多様な技術を用い、実験的な絵画や壁画を制作しています。彼は同時にgraffitiやstreet art、またcustom paintに造詣が深く、これらの表現に関わる展覧会の ディレクション・キュレーションの実践をしています。これらのアクティビティは、塗装という工業技術やそのマテリアルから発展したアートに対する彼の興味に根ざしており、第2のペインティング、つまり工業技術を用いた絵画の批評を立ち上がらせようという試みなのです。今回はステンシル(切り型)を使ったスプレー転写の新作を展示します。 これは一つの小さなステンシルを、シンメトリーに吹き付けて展開していくことで、万華鏡のように予測不可能な図像を浮かび上がらせます。作為的に絵を描いてくことに代わり、システムや技術という部分に表現を託しつつ、尚も指先に表れるかすかな身体性から、二つの相反する世界観が広がります。

 

Tohru Matsushita is an artist, as well as a member of the SIDE CORE curation team. He creates experimental paintings and murals using coating science and technology, particularly a variety of spray-paint techniques. Also, with knowledge of graffiti, street art, and custom paint, he is involved in the direction and curation of exhibitions regarding these expressions in recent years. These activities are rooted in an interest in art that originated in the industrial technology of coating and its materials. He is also attempting to introduce a critique of what he calls Second Painting, that is, painting that utilizes industrial technology. In this exhibition, He made painting by using electricity, readily available in any city. The electricity is used to burn the panel and cause unpredictable figures to appear. Though focusing on the side of systems and technology rather than intentionally crafting an image, his expression, which embodies the delicate touch of his fingertips, represents the integration of his two conflicting world views.