http://sidecore.net/
In 2012“SIDECORE”project was founded and initiated by young artist volunteers. The central concept behind the project is “the extension of the self within the city”, in which the “city” signifies both urban space and public virtual space on the internet.

S I D E C O R E   E X H I B I T I O N S     C O N T A C T



1979年、SONY社からWALKMAN®という和製英語のプロダクトが発売され、全世界的なヒットとなった。WALKMAN®のヒットは街に音楽を流すという発想から、人に音楽を流すという転換にあった。つまり一つの同じ公共空間に居ながら人々は別々の音楽を聴くことが可能になり、それぞれの”視点”において公共空間に異なる見方/感じ方をすることが促されたということである。
本企画では、そのようなポータブル・メディアによる都市空間における表現の拡張をテーマとしている。都市空間において、特に東京という都市においては個人が公共空間に介入していくことは極端に難しく、いとも簡単に警戒・排除の対象にされてしまう。公園から遊具が消え、ドローンは早速議論の的となり、ネット上の発言は監視され、自転車での移動までも厳しく見張られている。しかし規制や自主規制が強化される今だからこそ、公共空間に新しい自由をもたらす、ポータブル・メディアの発想と新たな視点の提案が求められている。

In 1979, SONY released the portable music playing device known as the WALKMAN®. The English word was completely understood by Japanese, and soon became a worldwide hit. The major success of the WALKMAN® was it injected personal music choice into city life. We could share the same physical space like always, but the WALKMAN user completely controlled their own private soundtrack, creating an infinite number of different experiences of the same space. In other words, it enhanced the users direct point of view, enabling a completely individual experience.
The center theme behind this exhibition is the expansion of individual expressions in urban environments, with the use of these portable medias. Currently it is much more difficult for individuals to interact or express themselves in public, especially in Tokyo. The WALKMAN way allowed people to opt out from avowed rules. Playground equipment have disappeared from parks, and remote controlled surveillance drones have become a discussion point. Internet comments are monitored, recorded and backed-up, and even bicycles that run through places which should be considered public land are confiscated by new city regulations.External regulation and self-regulation have both intensified. Now more than ever new perspectives are needed to bring freedom back to public spaces.
SIDE CORE -TOKYO WALKMAN-
アーティスト:EVERYDAY HOLIDAY SQUAD|MADSAKI|Mark Drew|菊地良太|小畑多丘|TENGAone|松下徹|yang02
会期:2015年9月5日(土)- 10月10日(土)
開廊時間:13:00-19:00
休廊:日、月、祝日
オープニングレセプション:9月5日(土)19:00-21:00
会場:hiromiyoshii roppongi
〒106-0032
東京都港区六本木5-9-20
www.hiromiyoshii.com


SIDE CORE -TOKYO WALKMAN-
Artists:EVERYDAY HOLIDAY SQUAD|MADSAKI|Mark Drew|Ryota Kikuchi|Taku Obata|TENGAone|Tohru Matsushita|yang02
Term:5th, Sep(Sat), 2015- 10th, Oug(Sat)
Open:13:00-19:00
Close:Sun、Mon、Holiday
Opening:5th, Sep(Sat)19:00-21:00
Venue:hiromiyoshii roppongi
〒106-0032
5-9-20, Roppongi, Minato, Tokyo
www.hiromiyoshii.com



※「WALKMAN」はソニー株式会社の登録商標です。
* “WALKMAN” is a registered trademark of Sony Corporation.

オープニングレセプション:9月5日(土)19:00-21:00
Opening:5th, Sep(Sat)19:00-21:00



(c)EVERYDAY HOLIDAY SQUAD, 2015

EVERYDAY HOLIDAY SQUAD
EVERYDAY HOLIDAY SQUADはグラフィティライターやオルタナティブスペースのアートディレクター、そして映像作家によって構成されるストリートアートユニットです。個人としても集団としても、彼らは東京という都市の中で「自分たちの居場所を新しく作る」ことをテーマに様々な試みをしています。近年では監視・規制されている都市のストリートから屋上や地下という場所へ表現の場所開拓に挑んでいます。今回は彼らが見つけだした東京の下水道内部で壁画制作をおこなった一連の記録を発表します。彼らの試みは冒険や悪戯という単純な動機に根ざしたものであることは間違いがありませんが、同時に都市の内部と言う普段と閉ざされた部分を暴きだすことによって、日常とパラレルに存在する別の世界を立ち上がらせます。 いつもの道を歩くとき、実は地下に彼らの美術館が広がっているのかもしれない。そういう想像力を彼らは掻き立ててくれるのです。

EVERYDAY HOLIDAY SQUAD is a street art unit, consisting of a graffiti writer, an alternative space art director and a filmmaker. As individuals, and as a group, they have implemented various endeavors under the theme of "creating new places where we belong", in this case being the city of Tokyo. Lately, the places cultivated for this expression are the city's monitored and restricted areas, from street to rooftop to underground. This present exhibition is a series of documentaries following the creation of murals in a section of the Tokyo underground drainage system. While it is undeniable that the motivation for much of their project is simply mischief and adventure, by exposing inner parts of the city that are normally closed, they have also launched another world, one existing parallel to the known. You may be walking down a familiar street, but down below their museum spreads through a network of unlit and rarely seen tunnels, inspiring a sense of wonder to those still on the surface.

(c)MADSAKI, 2014

MADSAKI
MADSAKIは挑発的な表現によって、常に鑑賞者の思考に揺さぶりをかけるパンクのマインドを持つアーティストです。 彼は約25年の時間をN.Y.で過ごしストリートカルチャーの発展の渦中で育ち、BARNSTORMERSというポスト・グラフィティ運動の参加者の一人でもありました。また彼はN.Y.時代にメッセンジャーであったことから、その頃愛用していた“fixed”という自転車を日本に紹介し、一躍その第1人者として認知されました。 しかし、彼の意図しない範囲でfixedをめぐる議論は激化し、現在は厳しい取り締まりの対象となりました。今回彼は、そのような自転車に対する規制強化が一方向に進む東京の状況に対し、彼らしい方法で新しい提案を叩きつけます。日本のいわゆる一般的な「ママチャリ」自転車を合法的に改造し、トールバイクという2階建式の自転車を発表します。この巨大自転車の運転者の視点はトラックの座席程あり、異様なママチャリとして町の風景にノイズをおこすのです。彼の試みは、いかなる状況に対しても表現の抜け道を作るユーモアと創造力の可能性を示します。

MADSAKI is an artist with a punk mentality who constantly shake up viewer's value through provocative expression. MADSAKI has spent 25 years in N.Y.C, brought up in the midst of a street-culture renaissance. He has also participated in the post-graffiti movement with the "BARNSTORMERS." While in N.Y.C, he was a bike messenger riding a fixed-gear bicycle. He later introduced fixed bike to Japan, and was catapulted into fame as its leading expert. However, controversy over the fixed-gear intensified beyond the limits he had intended, and currently, the fixed-gear is subject to strict control. In this exhibition, he responds in his own way to Tokyo's current strengthening of bicycle regulations, by legally reconstructing so-called "mama-chari" bicycle, which are typical bicycles in Japan, and producing a tall bike, with the conventional "mama-chari" frame welded one atop the other. This tall bike provides a truck driver's visibility, and with its bizarre look, has a jarring effect on the cityscape and to the Japanese people. MADSAKI's attempt shows the possibility of expression through creativity and humor, under any circumstance.

(c)Mark Drew, 2015

Mark Drew
Mark Drewは母国オーストラリアのシドニーで最も長く続くストリートアートギャラリー”china heights”のディレクターでもあるアーティストです。彼自身が10代であった、1990年代に消費されていたコミックや音楽等をサンプリングやリミックスという手法で作品化しています。最近ではスヌーピーで知られる漫画“peanuts”の一コマの吹き出し部分に、90年代のアメリカンヒップホップのライムを書き込む絵画のシリーズで、ストリートアートの世界で大きな注目を集めています。peanutsのラップ部分の著作者であるラッパーやその関係者達からは大きな支持を集めています。これはヒップホップがサンプリングやリミックスの表現の世界であり、newという概念より、freshという概念でその表現の斬新さが語られるという表れです。永遠にfreshで (若く)いられる為の方法として、ヒップホップの思想があるということを彼は体現しています。今回彼は、10代の頃にウォークマンで聴いていたカセットテープのコレクションをキャンバスに描き写したシリーズを発表します。彼は一つ一つの音楽が持つ意味を、カセットテープの並び方で表現します。つまり、彼の10代の記憶に宿る記号を再編集することにより、同じ記号を共有するヒップホップという世界規模の共同体の記憶を編集する試みをしているのです。

Mark Drew is an artist, and director of the young contemporary gallery, "China Heights," in operation since 2004 in his homeland of Sydney, Australia. His works are created by mixing visual samples of music and graphics from his teenage years and childhood. Recently, he has received a lot of attention in the street-art world with a series of paintings in which lyrics from '90's American hip-hop are inserted into dialogue balloons from the comic strip Peanuts. The rappers whose rhymes he used and their related parties were largely supportive of this endeavor. This makes it clear that expression in hip-hop is achieved through remix and sampling, and that its novelty arises not from the concept of "new," but rather from the concept of "fresh." Drew embodies hip-hop's conception of its own capacity to stay fresh (and forever young). In this exhibition, he is exhibiting a series of paintings on canvas depicting the collection of cassette tapes that as a teen he listened to endlessly on a Walkman. He expresses what the music means to him through the particular arrangement of these tapes on canvas. That is, by re-editing the signs and symbols of his teenage years, he attempts to edit his memory of hip-hop, a global community sharing the same signs and symbols.

(c)Ryota Kikuchi, 2015

菊地良太
フリークライマーでもある菊地良太は、街の構造物に登ったり、ぶら下がったり、挟まったりと様々な方法で身体を街に介入させ、それを写真作品や映像作品として残します。フリークライマー達は一つの岩から細かい起伏や割れ目などその形状を読み取り、何もないように見える岩肌にルートを見出してクライミングします。このルート設定を彼らの言語で「ラインを読む」と言いますが、菊地はまさに都市の構造の中に「ラインを探している」のです。つまり彼の写真や映像の作品はこれらのラインが浮かび上がる地図でもあり、菊地が思い描く風景の写真でもあるのです。今回はギャラリー内部や周辺の環境の中でラインを探し、彼の身体的な介入を地図として展示します。日常に見ている街の風景を新しく捉え直す視点と、都市生活の中で矯正されてしまった身体の可能性を、彼の作品は揉みほぐしてくれるのです。

Ryota Kikuchi, an artist and free climber, intervenes the city with his body, climbing, hanging and dangling between the city's structures, while capturing the action on photograph or video. Free climbers find the route to climb on a rock's seemingly unyielding surface, by reading the shape and form of a rock, its subtle undulations and crevices. This is referred to in rock-climbing terms as "reading a line" which is exactly what Kikuchi is doing with the structures of the city. In other words, his imagery serves as maps to highlight these lines, as well as selections of scenery that he, himself, has conceptualized. In this exhibition, he finds those lines and physically maps them out within the gallery and its surrounding environment. His work releases new perspectives that re-examine and renew the ordinary landscape of the city and the possibilities of your body that have been readjusted to conform to an urban lifestyle.

(c)Taku Obata, 2015

小畑多丘
小畑多丘はB-BOY(ブレイクダンサー)であり彫刻家でもあります。彼は自身のルーツであるブレイクダンスの身体や衣装の動きの構造を経験的に検証し、空間に複雑な影響を与える彫刻を制作しています。また彼は、日本のブレイクダンスを軸としたヒップホップシーンでとても重要な役目を担っており、その思想をいかにアートという表現に昇華させることができるかを試みています。  今回彼は写真作品を展示します。これは彼が実際に木彫した幾何学形態の「物体」を公共空間で放り投げ、物体が放物線の頂点に達した瞬間を写真に収めるという作品です。単に放り投げられた物体を写真で切取ることで、空間を取り払い、現実世界を不思議な平面として際立たせます。これは、ブレイクダンスがいかに重力を感じさせない身体の動きのみによって空間を変容させるか、という1つの試みにも基づいています。彫刻も決められた場所だけではなく、公共空間を移動しながら空間や風景を変容させることができるのではないかという実践なのです。彼の緻密な計算によって作られる幾何学形態の物体は、重力や距離を感じさせず軽快に浮かび上がり、日常の風景すらも彫刻の一部分として見せてくれます。

Taku Obata is a B-Boy (breakdancer) and sculptor. He explores his breakdancing roots to empirically verify the movement of the body and its clothing as it moves, and creates sculpture that produces intricate effects in space. Playing a very important role in the Japanese hip-hop scene centered around breakdancing, he also confronts his own ability to sublimate its philosophy into art. This time he exhibits his new series of photographs. In these pictures Obata captures the moment when a geometric "object," which he has carved from wood, is thrown into a public space and has reached the vertex of it parabola. Simply by photographing an object thrown into the air, space is cleared away and the actual world is emphasized as a mysterious plain surface. This concept is also based on his experiments in how breakdancing can transform space through seemingly gravity-free, physical movement alone. In the same manner, he is also exploring whether sculpture can transform not only a designated area, but also the space and landscape, while moving through a public space. A geometric object that was created according to his meticulous calculations, will lightly float in the air, with no sense of gravity or distance, incorporating the ordinary landscape as if it is a part of the sculpture.

(c)TENGAone, 2013

TENGAone
TENGAoneは東京を代表するグラフィティライターの一人です。 彼は現代社会の中での人間の思考・行動など内面的な姿に目を向け、その矛盾や現代社会の成れの果てに静かに怒りを持ちながらもコミカルで怪しい生き物(キャラクター)として人々の姿を描きます。 彼はグラフィティの本質の一つを”街中の視線を誘導していくこと”と考え、絵の描かれるロケーションや、絵を見る人の立ち位置から視点の流れまでを考慮し、鑑賞者をどのようにキャラクター達の物語に引き込むことができるかということを試みます。 今回彼はギャラリーのスタッフが働くレセプション空間にそのようなキャラクター達の物語を仕掛けます。彼の描き出すキャラクターと物語は、社会における時事ネタや映画のワンシーンを想わせながら、同時に都市で活動する私たちの持つ狂気や矛盾や弱さ、そして愛らしさを感じさせる生きるポートレートとなるのです。

TENGAone is one of Tokyo's representative graffiti writers. Focusing on the inner aspects of human thought and behavior in modern society, while quietly angered by the contradictions they evoke, focusing as well on society's possible terminus, he depicts people as strange and comical creatures. He thinks that one of the essences of graffiti is "to guide the eyes of people on the street." Considering the graffiti's location, and the viewer's standpoint, as well as how a viewpoint changes, his challenge is how to draw the attention of the viewer to the story made by his characters. His story here concerns characters working at the gallery's reception space. His characters and stories remind us of social concerns, current events, or a scene from a movie, while, at the same time, they are living portraits that convey the madness, conflict, weakness, and sweetness that go hand in hand with life in the city.

(c)Tohru Matsushita, 2014

松下徹
松下徹はこのサイドコアのディレクターチームの一員でもあり、そして彼自身もアーティストとして参加しています。彼は科学塗装の技術、主にスプレーの吹きつけに関わる多様な技術を用い、実験的な絵画や壁画を制作しています。彼は同時にgraffitiやstreet art、またcustom paintに造詣が深く、これらの表現に関わる展覧会の ディレクション・キュレーションの実践をしています。これらのアクティビティは、塗装という工業技術やそのマテリアルから発展したアートに対する彼の興味に根ざしており、第2のペインティング、つまり工業技術を用いた絵画の批評を立ち上がらせようという試みなのです。今回はステンシル(切り型)を使ったスプレー転写の新作を展示します。 これは一つの小さなステンシルを、シンメトリーに吹き付けて展開していくことで、万華鏡のように予測不可能な図像を浮かび上がらせます。作為的に絵を描いてくことに代わり、システムや技術という部分に表現を託しつつ、尚も指先に表れるかすかな身体性から、二つの相反する世界観が広がります。

Tohru Matsushita is an artist, as well as a member of the SIDE CORE curation team. He creates experimental paintings and murals using coating science and technology, particularly a variety of spray-paint techniques. Also, with knowledge of graffiti, street art, and custom paint, he is involved in the direction and curation of exhibitions regarding these expressions in recent years. These activities are rooted in an interest in art that originated in the industrial technology of coating and its materials. He is also attempting to introduce a critique of what he calls Second Painting, that is, painting that utilizes industrial technology. In this exhibition, He made painting by using electricity, readily available in any city. The electricity is used to burn the panel and cause unpredictable figures to appear. Though focusing on the side of systems and technology rather than intentionally crafting an image, his expression, which embodies the delicate touch of his fingertips, represents the integration of his two conflicting world views.

(c)yang02, 2015, photo by Rakutaro Ogiwara

yang02
yang02はコンピューターハッキング、サーキットベンディング(※)、そしてグラフィティという領域を越えたハッキングカルチャーに造詣が深い。彼はプログラミングやマシニング、そして鑑賞者とのフィジカルなインタラクションを通じて、「現代において“描く”とは何か」という美術における根本的な問いを作品化し検証するアーティストです。 今回彼は、インターネット空間の中でボミングを行う作品を発表します。インターネット空間で私達の動きはプログラムによって常に監視され、無意識的に誘導されていきます。そこで彼は自身のネット上でのアカウントの行動をプログラム化することで、監視するプログラムを欺き、アカウントに関する情報を錯乱させます。 このようなハッキングは、インターネット上を統制するシステムへの反抗であると同時に、インターネット上で運動する第3の存在を立ち上がらせ、情報空間に新たな人格を出現させる実践となるのです。
※主におもちゃに組み込まれた既存の電子回路を改造し、新しい音や独自の楽器をつくること。

yang02 has detailed knowledge of computer-hacking, circuit-bending, graffiti, and hacking culture beyond the territory. He is an artist whose work, through physical interaction between programming, machining and the viewer, embodies and examines a fundamental question in art: what is expression today? For this exhibition, he will "bomb" (as in graffiti) the Internet. Modern internet use is constantly monitored, and guided automatically. With this in mind, yang02 will program the behavior of his own account on the Net, deceive the monitoring program, and scramble the account-related information. This type of hacking is a rebellion against the online system that controls the Internet, while it also launches a third existence that exercises on the Internet, thus generating a new personality in information space.



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